Non ci restano che i festival: perché il cinema è in crisi?

Il glamour dei festival cela una crisi reale: tra streaming, costi e assenze creative, il cinema oggi chiede scelte concrete e visione.

Il paradosso sta tutto qui: le passerelle non sono mai state così scintillanti, ma i conti delle sale non tornano. Mentre al Lido si accendono i riflettori e la ritualità del red carpet promette vitalità, la filiera – dalla scrittura alla distribuzione – procede a scatti, tra finestre ridotte, costi crescenti, pubblico distratto e una competizione che non somiglia più a quella di qualche stagione fa. Non è un incidente di percorso: è la somma di fattori strutturali che si tengono per mano – la contrazione dei mid-budget, la guerra dello streaming, la volatilità del calendario, l’erosione dell’attenzione dei più giovani, l’inflazione dei costi di lancio – e che, messi insieme, spiegano perché il cinema fatica a ritrovare un equilibrio stabile.

I festival – Cannes, Venezia, Berlino, ma anche Toronto, San Sebastián, Locarno – reggono e, in alcuni casi, crescono come vetrina. Funzionano benissimo dal punto di vista mediatico e confermano la loro centralità culturale. Eppure il tappeto rosso non risolve ciò che avviene il giorno dopo, quando il film esce davvero: il pubblico non è scomparso, semplicemente ha cambiato abitudini, pretende chiarezza su dove e quando vedere un titolo, seleziona con più severità, risparmia energie per gli eventi imperdibili e lascia indietro tutto ciò che percepisce come “già visto”. Si può riassumere in una formula asciutta: la vetrina tiene, il mercato arranca.

Festival forti, mercato fragile

Venezia, come Cannes e Berlino, resta il luogo dove il cinema si racconta al mondo con il suo lato migliore: la liturgia dei premi, i palinsesti curatissimi, gli incontri che alimentano il discorso pubblico. È un’energia genuina, che serve eccome: aiuta i film d’autore, crea momentum per i titoli di stagione, mette in moto prevendite e stampe. Ma la stessa vitalità non si traduce sempre in continuità industriale. I mercati paralleli sono più prudenti, i buyer selezionano, i pre-acquisti si fanno con il righello, i progetti a rischio medio vengono rimandati. E il tappeto rosso, con il suo fascino un po’ rétro, finisce per mascherare l’incapacità del settore di affrontare a muso duro le nuove sfide: non basta imitare l’immaginario degli anni Cinquanta, servono strumenti del 2025.

Se ci spostiamo dalle passerelle al botteghino, l’immagine cambia ancora. L’Europa ha recuperato larga parte delle presenze rispetto agli anni bui, ma si è assestata su una nuova normalità più bassa; l’Italia ha ritrovato un pubblico interessante nei mesi caldi, senza però lo scatto definitivo; gli Stati Uniti convivono con stagioni in cui un paio di titoli trascinano tutti, seguite da settimane di calma piatta. L’equilibrio non c’è e, soprattutto, non c’è la fascia media di film che tiene vive le sale tra un picco e l’altro.

Le chiavi del perché il cinema è in crisi

Dove si sono persi gli spettatori?

La risposta è meno romantica e più quotidiana di quanto piacerebbe. Il prezzo medio del biglietto è salito, i costi delle famiglie sono più pesanti, l’offerta domestica è migliorata. Il risultato è che molti spettatori trasformano la sala in un’esperienza “speciale”, da concedersi con cura una manciata di volte l’anno. Non è solo una questione economica: è un fatto di abitudini. Si è spezzata la ritualità del “ci vediamo al cinema il mercoledì”, sostituita dalla logica “appena arriva in streaming lo recupero”. Un tempo l’attesa nutriva il desiderio; oggi l’attesa sembra una penalità. E senza una promessa forte – tecnica, emotiva, sociale – si resta a casa.

C’è poi la geografia. Molte periferie hanno perso l’esercente di prossimità, quel presidio che costruiva comunità e passaparola. I grandi multiplex reggono, ma non sempre sono dietro l’angolo; i centri storici si sono svuotati di presidi stabili; il trasporto serale in molte città non invoglia. Se aggiungiamo calendari irregolari, con buchi nelle uscite e scarsa varietà nei periodi intermedi, capiamo perché l’abitudine fatichi a ricostruirsi. La sala ha bisogno di continuità, come una squadra ha bisogno di campionato, non solo di finali.

La morsa delle piattaforme

Qui non si tratta più di “concorrenza sleale”: lo streaming ha ridisegnato l’aspettativa. La finestra tra l’uscita in sala e l’arrivo a casa si è accorciata dappertutto, spesso fino a un mese abbondante; in alcuni casi meno. Il pubblico ha interiorizzato che tutto arriva presto, tutto è reperibile, meglio se dentro un abbonamento che ha già pagato. Nel frattempo i servizi hanno cambiato pelle: prezzi ritoccati, bundle, piani con pubblicità, stretta sulla condivisione, promozioni aggressive. Il risultato è un habitat liquido in cui molti fanno zapping fra piattaforme, abbandonano e rientrano, giocano sul prezzo, e intanto diventano più severi nel concedere tempo alla sala.

Questa dinamica ha un effetto preciso: schiaccia i film medi, cioè quelli che non hanno un brand riconoscibile né l’aura da “evento unico”. Quando un titolo percepito come “interessante ma non imprescindibile” arriva presto a casa, il valore del biglietto si indebolisce nella testa dello spettatore. E se anche il marketing è timido – perché i margini sono pochi, perché si teme lo sforzo a vuoto – il cerchio si chiude. La soluzione non può essere solo allungare la finestra (che pure aiuta): serve coerenza di calendario, una comunicazione che spieghi con chiarezza perché “prima” significa “meglio” e un lavoro di community che renda la proiezione un appuntamento più che un semplice orario.

Troppi franchise, poche idee

La crisi è anche creativa. Sequel, reboot, universi condivisi hanno garantito per anni stabilità agli studi e un flusso di incassi prevedibile. Oggi quel carburante è più impuro: il pubblico riconosce la formula, ne apprezza i picchi ma rifiuta i derivati stanchi. La lunga coda degli scioperi del 2023 ha impoverito il calendario successivo, tagliando una serie di uscite chiave e creando una “non-stagione” in diversi segmenti. In mezzo, è evaporata la fascia che storicamente faceva crescere per gradi la passione: le commedie adulte con star riconoscibili, i thriller d’autore senza super-eroi, i drammi originali con registi in ascesa. Sono film che non campano di opening weekend giganteschi ma allungano la vita delle sale, alimentano il passaparola, danno ossigeno ai periodi “normali”.

Qui si innesta un altro nodo: la paura di rischiare. Per anni la scelta “razionale” è stata puntare su pochi titoli giganteschi – costosi da produrre, carissimi da lanciare – riducendo l’esposizione su ciò che sta nel mezzo. Quando funziona, il colpo è grosso; quando non funziona, il buco si sente per mesi. Il cinema, però, vive di ampiezza: non puoi chiedere alla montagna di sostenere da sola la pianura. Se scompaiono gli strati intermedi, la curva si spezza, e le sale rimangono appese a tre o quattro serate-evento l’anno.

Costi, finestre e margini

Dietro il romantico buio in sala, la matematica è spietata. I costi di produzione sono saliti per tutti: retribuzioni, logistica, assicurazioni, post-produzione. Ma è il marketing ad aver cambiato scala: le campagne globali divorano budget, i buy digitali sono più cari, la competizione per l’attenzione impone creatività continua. Capita sempre più spesso che la promozione costI quanto – talvolta più – della produzione. E quando il film non esplode subito, recuperare è complicato: l’onda social, che può portarti in orbita, può schiacciarti nel giro di un weekend.

A questo si aggiunge la questione delle finestre di sfruttamento. Se l’uscita in piattaforma arriva troppo presto, è inevitabile una compressione dell’incasso in sala. Non si tratta di nostalgia per i 90 giorni “di una volta”, ma di dare al biglietto un valore riconoscibile. Una soglia minima credibile – almeno sei settimane reali, con eccezioni motivate – aiuterebbe la programmazione, permetterebbe al passaparola di lavorare e darebbe agli esercenti il tempo per costruire eventi intorno ai titoli: incontri, Q&A, proiezioni in lingua, director’s cut, maratone ragionate. La sala è un luogo, non un file: va trattata come spazio culturale, non come purissimo schermo.

Infine, i margini. La grande distribuzione può permettersi di aspettare, le sale indipendenti molto meno. Se il calendario alterna ingorghi e deserti, la cassa soffre; se le uscite medie mancano, il bar non gira, la fidelizzazione si sgonfia, il personale si riduce, l’offerta extra schermo si assottiglia. Qui la politica industriale – anche a livello locale – può fare la differenza: sgravi mirati sull’innovazione tecnologica, supporto alla transizione energetica delle strutture, incentivi ai programmi di quartiere, partnership con scuole e università. Non carità, ma politica culturale.

Pirateria e attenzione dispersa

L’elefante che nessuno ama nominare è la pirateria, che ha cambiato pelle. Non è più l’atto “tecnico” del torrent di dieci anni fa: è uno streaming parallelo, comodo, spesso ben confezionato, che intercetta soprattutto i più giovani. Prezzi in salita, diritti frammentati su molte piattaforme, rotazione frenetica dei cataloghi: chi non trova, cerca altrove. Il danno pesa soprattutto sui film medi che sarebbero perfetti per la sala di quartiere: basta una copia decente e il valore percepito crolla. La risposta non può essere il moralismo. Servono offerte più semplici, finestre riconoscibili, repressione mirata su chi monetizza illecitamente, educazione all’esperienza: in sala il film è migliore, non perché lo diciamo noi, ma perché è pensato per esserlo.

Poi c’è la battaglia per l’attenzione. TikTok, YouTube, gaming, piattaforme social: l’ecosistema in cui si cresce oggi premia velocità e interazione. Due ore al buio, senza commentare, senza “saltare”, richiedono una motivazione più alta. È un problema? Non necessariamente. È un vincolo creativo. Molti film recenti hanno riconquistato pubblico proprio lavorando sull’evento, sulla comunità, sull’inedito. Il punto non è allungare i trailer o gridare più forte, ma accorciare la distanza tra chi guarda e chi fa: dare accesso ai processi, valorizzare making-of e materiali dietro le quinte, portare il cast nelle città non solo alla première, costruire contenuti nativi per i social che non siano solo “spot” ma estensioni autentiche dell’opera.

Dopo i tappeti rossi, la resa dei conti

I festival servono, eccome: mettono il cinema al centro del discorso pubblico, danno coraggio ai produttori, fanno girare progetti e talenti. Ma non bastano da soli. Se vogliamo che la sala torni a essere un’abitudine – e non un santuario da visitare due volte l’anno – bisogna rimettere in linea i pezzi. Un calendario coerente, con stagioni vere e non montagne russe. Finestre chiare e rispettate, perché l’attesa torni a essere valore e non castigo. Una rinascita del mid-budget, sostenuta da politiche intelligenti e da un marketing che parli a comunità specifiche, quartiere per quartiere. Prezzi flessibili e abbonamenti semplici, senza giungle contrattuali. Antipirateria pragmatica e, al tempo stesso, offerta legale meno spezzettata. E soprattutto, idee: storie nuove, sguardi non seriali, rischio calcolato.

Il pubblico non è un avversario da conquistare: è un alleato che aspetta un motivo valido per uscire, mettersi il giubbotto, sedersi al buio e perdersi dentro uno schermo grande. Se glielo diamo – con film che pretendono di essere visti in sala e con sale che sanno accogliere, spiegare, coinvolgere – la crisi smette di essere un destino e torna a essere un passaggio. Il tappeto rosso va bene per le fotografie; il resto dell’anno si vince in programmazione, nei rapporti con il territorio, nell’onestà della promessa. Il cinema non è finito: ha solo smesso, per un po’, di parlarsi allo specchio come un sistema vivo. Tocca rimetterlo in movimento – e non c’è festival, per quanto prestigioso, che possa farlo al posto nostro.

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Questo articolo è stato redatto basandosi su informazioni provenienti da fonti ufficiali e affidabili, garantendone l’accuratezza e l’attualità. Fonti consultate: La Repubblica, La7, Corriere della Sera, ANSA, Il Sole 24 Ore, Il Fatto Quotidiano.